Barbati Gallery presents twenty-seven works by Mimi Lauter, created between 2024 and
2025. Lauter’s practice is grounded in color as an autonomous and generative medium.
Applied with soft pastels and oil pastels, color shapes both the architecture and the depth of
her compositions, establishing a visual rhythm that oscillates between the perspectival and
the paratactic. Faces, pictograms and figures emerge from these dense chromatic layers,
suspended between tenderness and the monstrous.

The material density, at times resembling plaster or carved stone, evokes an ancestral
dimension, recalling aerial views of ruins and ancient foundations. Frequently, color is
organized into decorative motifs that generate internal frames, giving the work a meta-
painterly and hieratic structure, where the repetition of gesture assumes a ritual quality.

Echoes of ancient Jewish art resonate throughout Lauter’s practice. The internal frames
within her canvases recall the pages of a book, or the illuminated margins of medieval
Haggadot and Megillot, where ornamentation is never mere decoration, but a vessel of
memory and cultural transmission. The repeated gestures in her painting echo ritual
practices, reminiscent of votive textiles or the intricate patterns of Sephardic synagogue
architecture. These patterns are never purely aesthetic; they carry the imprint of collective
history, articulating a profound connection between craft and spirituality.

As the daughter of a soil scientist, Lauter weaves a deeply personal narrative into her work,
rooted in childhood memories of growing a garden alongside her mother in the Bay Area.
The garden, historically, is a site of creation and promise; in medieval rabbinic texts, royal
and communal gardens appear as spaces of refuge and study, vessels of meditation and
revelation. Kabbalistic tradition, through the concept of pardes—a Persian word meaning
both “garden” and “paradise”—understands the garden as a symbol of hidden knowledge,
where language itself becomes a gateway to the divine. This tension between image and
word, between the visible and the concealed, permeates Lauter’s paintings, where layered
pigments seem to hold not only forms but also arcane meanings, as if they were painted
inscriptions or prayers.

Out of this emerges a painting practice that fuses opulence and humility: radiant, saturated
pigments converse with the memory of earth, creating surfaces at once organic and vital, yet
charged with mystery and symbolic depth.

Viewers will discern echoes of art history, from Odilon Redon and Cy Twombly to Pierre
Bonnard, but it is equally apt to invoke the legacy of North American graffiti writing of the
1980s, from which Lauter subtly borrows a sense of visual stratification and an horror vacui
attuned to contemporary sensibility. Each painting thus becomes a repository of profound
experiences—both pastoral and urban, joyful, traumatic, and painful—offering the viewer an
intensely emotional universe poised between vulnerability and enchantment.

Mimi Lauter (b. 1982, San Francisco, USA) lives and works in Los Angeles.

Lauter received her BA at the University of California, Los Angeles, and her MFA from the
University of California, Irvine. In 2012, Lauter was included in the first Los Angeles Biennial
Made in L.A., organized by the Hammer Museum in collaboration with LAXART. In 2021,
Lauter participated in Prospect.5, New Orleans. Her work is represented in the collections of
the Frederick R Weisman Art Foundation, Los Angeles; Hammer Museum, Los Angeles; He
Art Museum, Foshan, China; Henry Art Gallery at University of Washington, Seattle; Los
Angeles County Museum of Art, Los Angeles; Marciano Art Foundation, Los Angeles; Nixon
Collection, London; Rachofsky Foundation, Dallas; Santa Barbara Museum, Santa Barbara;
Tanoto Foundation, Singapore; Wagner Foundation, Boston.

Her solo exhibitions include Sefirot, Mendes Wood DM, São Paulo (2024); Ruach, White
Cube Bermondsey, London (2023); Gardens of Human Nature, Mendes Wood DM, New
York (2023); Tif Sigfrids, Athens (2022); Consequential Landscapes, Mendes Wood DM,
Brussels (2021); Symphony No. 1, Blum & Poe, New York (2020); Après nous le déluge,
Mendes Wood DM, São Paulo (2019); Sensus Oxynation, Blum & Poe, Los Angeles (2018);
Miniatures, Shane Campbell Gallery, Chicago (2018); Devotional Flowers, Derek Eller
Gallery, New York (2018); Interiors, Tif Sigfrids, Los Angeles (2017); A Carnival of Musical
Echo, Shane Campbell Gallery, Chicago (2015).

For press requests please write to hello@barbatibertolissi.contact.

Barbati Gallery presenta ventisette opere di Mimi Lauter realizzate tra il 2024 e il 2025. La
ricerca dell’artista si fonda sul colore, materia autonoma e generativa. Steso con pastelli
soffici e a olio, il colore definisce architettura e profondità, creando un ritmo ora prospettico,
ora paratattico. Dai densi strati cromatici affiorano volti, pittogrammi e figure sospese tra il
tenero e il mostruoso.

La compattezza della materia, talvolta simile a intonaco o pietra scolpita, rimanda a una
dimensione ancestrale, evocando vedute dall’alto di rovine o fondamenta antiche. Spesso il
colore, organizzato in motivi decorativi, genera cornici interne che conferiscono all’opera una
struttura metapittorica e ieratica, dove la ripetizione del gesto assume un valore rituale.

Non mancano suggestioni dall’arte ebraica antica. Le cornici interne alle sue opere ricordano
pagine di un libro, e anche i margini miniati delle Haggadot medievali o delle Megillot, dove
l’ornamento non è mai puro decoro, ma veicolo di memoria e trasmissione culturale. La
ripetizione del gesto pittorico si fa così eco di pratiche rituali: si pensi alle stoffe votive, o ai
motivi intrecciati delle architetture sinagogali sefardite. Pattern mai puramente estetici,
portano con sé la traccia di una storia collettiva, di un legame tra manualità e sacralità.

Lauter, figlia di uno scienziato del suolo, intreccia alla sua pittura una narrazione intima,
legata all’infanzia trascorsa coltivando il giardino con la madre nella Bay Area. Il giardino è
luogo di creazione e promessa; nei testi rabbinici medievali i giardini reali e comunitari
assumono valore di rifugio e studio, scrigni di meditazione e rivelazione. La letteratura
cabalistica, con la sua pratica del “pardes” (parola persiana che significa “giardino” ma anche
“paradiso”), interpreta il giardino come simbolo della conoscenza nascosta, un luogo in cui il
linguaggio stesso diventa chiave di accesso al divino. Questa tensione tra immagine e parola,
tra visibile e invisibile, affiora nella pittura di Lauter, dove i pigmenti stratificati sembrano
custodire non solo forme, ma significati arcani, iscrizioni o preghiere dipinte.

Da qui nasce una pittura che accosta opulenza e umiltà: pigmenti ricchi e vibranti dialogano
con la memoria della terra, restituendo superfici tanto organiche e vitali quanto inquietanti
per il senso di mistero e la densità simbolica che emanano.

Lo spettatore riconoscerà echi della storia dell’arte, da Odilon Redon a Cy Twombly, fino a
Pierre Bonnard, ma non è improprio evocare anche l’eredità della graffitistica nordamericana
degli anni Ottanta, di cui Lauter riprende, con misura, la stratificazione visiva e un horror
vacui più vicino a una sensibilità contemporanea. Ogni quadro diventa così un deposito di
esperienze profonde, arcadi e al contempo urbane, felici, traumatiche e dolorose,
restituendo allo sguardo un universo intensamente emotivo, in bilico tra vulnerabilità e
incanto.

Mimi Lauter (nata nel 1982 a San Francisco, USA) vive e lavora a Los Angeles.

Lauter ha conseguito il BA presso l’University of California, Los Angeles, e l’MFA presso
l’University of California, Irvine. Nel 2012 è stata inclusa nella prima Biennale di Los Angeles
Made in L.A., organizzata dall’Hammer Museum in collaborazione con LAXART. Nel 2021 ha
partecipato a Prospect.5, New Orleans. Le sue opere fanno parte delle collezioni della
Frederick R. Weisman Art Foundation, Los Angeles; Hammer Museum, Los Angeles; He Art
Museum, Foshan, Cina; Henry Art Gallery presso l’Università di Washington, Seattle; Los
Angeles County Museum of Art, Los Angeles; Marciano Art Foundation, Los Angeles; Nixon
Collection, Londra; Rachofsky Foundation, Dallas; Santa Barbara Museum, Santa Barbara;
Tanoto Foundation, Singapore; Wagner Foundation, Boston.

Le sue mostre personali includono: Sefirot, Mendes Wood DM, San Paolo (2024); Ruach,
White Cube Bermondsey, Londra (2023); Gardens of Human Nature, Mendes Wood DM,
New York (2023); Tif Sigfrids, Atene (2022); Consequential Landscapes, Mendes Wood DM,
Bruxelles (2021); Symphony No. 1, Blum & Poe, New York (2020); Après nous le déluge,
Mendes Wood DM, San Paolo (2019); Sensus Oxynation, Blum & Poe, Los Angeles (2018);
Miniatures, Shane Campbell Gallery, Chicago (2018); Devotional Flowers, Derek Eller
Gallery, New York (2018); Interiors, Tif Sigfrids, Los Angeles (2017); A Carnival of Musical
Echo, Shane Campbell Gallery, Chicago (2015).

Per richiesta di informazioni stampa, scrivere a hello@barbatibertolissi.contact.